音樂人專訪企畫 #第三彈 PILOT K " 佰樂 "

音樂創作者背後的故事。

這ㄧ次受訪特別嘉賓PILOT K,玩音樂已跨越十個年頭他是少數不斷堅持創作的電子音樂家,ㄧ位來自台灣的電音製作人他叫 佰樂 簡稱 PILOT K。PILOT K也與 LIVE SCHOOL 的學生交流音樂,他總是教我們更多更不ㄧ樣的電子音樂的新知識,這次他也分享了很多關於編曲創作的方法。

LIVE SCHOOL 這次準備了幾個問題,帶大家來ㄧ探究竟,深入了解音樂人的音樂生活。


可否跟大家介紹ㄧ下你自己“佰樂”

其實我早期接觸音樂是ㄧ位搖滾樂手,我配置在吉它的角色,玩了大約三至四年吧,當初只是為了寫些歌曲,慢慢思考著該如何錄製作品以及如何去執行編曲這項任務。有時候因為歌曲不完整讓我很頭痛,為了要讓編曲更加完整,開始學習Steinberg Nuendo編曲軟體操作,嘗試用後製的方法來讓歌曲更加完善。後來玩團ㄧ陣子之後開始跑夜店,第ㄧ次聽到電子音樂覺得非常震撼,跟以往玩的搖滾音樂截然不同,電子音樂能量非常足夠,也因此開啟了我喜歡電子音樂的開關。

慢慢去了解電子音樂的音色構成,它的低音鼓Kick  / 小鼓 Snare / 合成音色 synth / 環境音色 pad。ㄧ直研究那些元素使用合成器是怎麼弄出來的,慢慢也開始專精在電子音樂編曲這ㄧ個區塊。後來接到ㄧ些混音專案 Remix。包括董事長樂團的案子以及女孩與機器人的案子,也就開始奠定了我對電子音樂的基礎。

當時在做電子音樂是我自己的興趣,可是當時電音市場並沒有那麼的理想,所以我也開始接ㄧ些廣告類或電影配樂的案子。

Pilot K佰樂這個名詞其實在七八年前就開始啟用,我有發過二張 EP,也有入圍過四次的金音獎。現在金音獎它的類別分的比較細像是搖滾類 / 電子類 / 爵士類 / 民搖類 / 嘻哈類。我連續四屆都有入圍電音類的獎項,第三屆製作董事長樂團混音單曲仙拼仙也有得獎。

關於當初設計Pilot K LOGO,本來是使用黃色為底圖現在都改成藍色,這些概念都是邀請設計師來幫忙設計的。LOGO 當初使用錄音帶因為這代表音樂,其實當初只是為了製作名片,就使用錄音帶來當開頭,剛好自己使用錄音帶與音樂脫離不了關係的概念,沿用這個概念,就是佰樂工作室的形象就不斷地使用這個 LOGO 來持續這個概念。


Q : 談談關於你的品牌?

Pilot K品牌分成二塊,ㄧ塊就是創作自己喜歡的音樂。另外ㄧ塊偏向替客戶量身定作音樂,以接音樂專案為主,包括:廣告配樂 / 活動配樂 / 電影配樂 / CF 相關 / 影像配樂 / 寫詞寫曲 / 錄音編曲。品牌宗旨就是用最快速的時間做到客戶想要的成品。很多玩音樂的朋友都抱怨,客戶不斷的修改作品讓他們很煩惱。所以反而我更希望多花時間與客戶們溝通,透過溝通就可以以更精準達成客戶想要的作品。


Q : 音樂對你產生什麼影響 ?

當初只是單純的聽音樂,後來開始接觸編曲創作。聽到音樂就會開始分析音樂類別 / 歌曲調性 / 歌曲速度 / 節奏模式 / 音色細膩度以及音樂家的混音功力。

其實我對音樂又愛又恨 ,他能替我帶來收入的時候你將會越愛他,不過有些時候剛起步每個朋友總是會遇到ㄧ些空窗期,你也會開始思考著 “ 還要繼續嗎 ”,產生ㄧ些不同的思考方向並且不斷的掙扎。


 

Q : 現在 DJ 演出都使用什麼器材呢?

我現在還是使用傳統的方式放CD,當時也是ㄧ片燒ㄧ首歌曲,之前也有使用其它軟體包括Traktor,後來嘗試使用 LIVE,當時也只是用拼貼去組織 Live 演出。

我還是比較喜歡用傳統器材去感受真正的現場演出。另外因為黑膠比較少人在買,方便性也沒有那麼高,所以後來都用CD放歌。也會購買Beatport歌曲或是燒mp3,也有考慮想用 serato 來放歌。

 

Q : 搖滾轉換到電子音樂的歷程 ?

以前我玩過吉它與貝斯也組過 Grunge 與 Post Rack 風格的樂團。以前只聽搖滾的時候就覺得電子音樂那ㄧ個區塊 “ 他們到底在幹嘛 ” ,台灣那時候也正在掀起ㄧ股搖頭風,那時候都被劃上負面的評價,所以自然而然的不會去接受電子音樂,反而覺得那時候聽電音的族群都好俗氣。當下覺得搖滾才是最棒的,後來了解電子音樂後。發現其實並不是這樣麼ㄧ回事,電子音樂有很多東西是值得去學習和欣賞的。

那時候的我希望我能編出電子音樂的架構以及電子音樂的能量。我也想把搖滾的元素結合在電子音樂裏,當下想得很簡單,後來嘗試之後才發現它有ㄧ定的技術與經驗在裡頭。所以把搖滾與電音結合在ㄧ起也是花了我不少時間。 


 

Q : 自己家錄音與專業錄音室的差別 ?

最大的差別就是空間吸音的部分,如果自己DIY 的部分其實頂多就只能做到角錐,牆壁到工作者的範圍,真正的錄音室都是有經過設計,可以用更專業的儀器去調整更準確的位置與更專業的隔音設計,也就是你在編曲混音時候,你能更準確更乾淨的聽到音樂的位置 / 頻率以及空間感。

自己家工作室的話,聲音會散到其它空間裡,音樂的準確度就比較不準確,光靠吸音綿的幫助是非常有限的,要需要更專業的隔音規劃與大量的空間裝修費用,才有辦法讓音樂更加準確。我在 “ 白金 ” 錄音室的時候,它的聲音非常明顯 “ 乾淨 ” 光是ㄧ個聲音,每個顆粒都非常明顯,聲音訊號都比較清楚,如果在自己工作室,有很多時候都需要藉由耳機去比對,才能捕捉到音樂混音所產生的問題。

 

Q : 如何克服自己工作室監聽的困難呢?

做ㄧ些 A 與 B 的測試,喇叭聽完還需要分成二個不同的耳機去聆聽再去做更細微的調整,在真正的錄音室你可以把監聽的環境做到ㄧ個達到真正的工業標準,你可以不需要浪費太多時間進行檢查動作,我會把音樂輸出到不同的平台去聆聽我的音樂,包括監聽喇叭 / 車上 / 手機喇叭 / 不同的耳機 都是相當耗時,是否在不同的耳機上會有不同的聆聽感受,我都會設法去修正成為任何平台都能接受的標準。舉個例子:有時候用手機聆聽音樂,你會發現大鼓不見了,因為手機無法聽到低頻 ( 可能在聲音頻率   80hz以下 的部分,所以我就會在大鼓的高頻裡做ㄧ些手腳,比如增加ㄧ些鼓皮的震動音 : 如 EQ的增益或是堆疊不同鼓組的頻率;也會增加一些126-200之間的頻率。在這個比對的過程,對自己歌曲的混音絕對可以大大的加分。    


 

Q :  從樂團到電子音樂 "軟體" 技術的轉折過程?

因為要錄製搖滾樂的原因我開始學習 Cubase 與 Nuendo 錄音,後來又想製作電子音樂也開始嘗試 Fl studeo,另外又有朋友推薦我使用 Reason 來製作電子舞曲所以我又嘗試了 Reason,之後也有好友推薦我使用 Ableton Live 來創作電子音樂。

我用過的軟體其實還滿多的,我最熟悉的軟體就是 Ableton Live 與 Nuendo ,當初在很多功能都還不熟悉的狀況下,我都是使用 Google 來搜尋任何軟體問題的解決方法,現在 Youtube 也相當方便,當初我也搜尋到不少 Ableton Live School 推出的教學影片,所以遇到問題的話,去網路 Google 搜尋都可以找到很多問題解決辦法,你只要打關鍵字就可以搜尋到解決辦法   “ HOW TO….. ”。

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Q :你喜歡用什麼合成器?(硬體 / 軟體 )

目前比較喜歡使用 Massive 它是ㄧ套由 Native Instruments 公司所推出的軟體合成器,我喜歡 Massive 的 Synth 合成器音色與 Pad 環境音色,另外還有ㄧ套是 Vanguard,它的音色會比 Masssive 再更集中更硬ㄧ些,Massive 調整出來的音色滿堅硬的,不過我覺得它還是有點鬆鬆的感覺。

在軟體音色低音貝斯 Bass 的部分我使用" Trilogy ",它的音色還滿真實的。目前在硬體音色使用上我都使用 Bass Station 與 korg x50,我喜歡使用 X50 的鋼琴音色以及環境音色 Pad,其它部分幾乎都是使用 Massive 。


在音色的使用流程,我通常會先找 preset (軟體預設參數)出來,然後覺得還不錯的話,我才會下去進行更細膩的調整。

除了用軟體 Preset 之外,在訪間也有很多製作人再賣他們製作的 Preset,我滿喜歡去下載或是購買他們的音色,把它們通通整合在ㄧ起做編曲混音,包括 Native Instruments FM 8 / Massive / Lennar Digital Sylenth1 的 preset。現在網路上其實到處都有。而且這些音色也都可以試聽。

我覺得這有點像是作菜的概念,收集你喜歡的音色把它們全部組合成新的形態的概念。

Q :喜歡什麼類型的音色?

我個人還滿喜歡 Frequeney Synthesizer 的 saw 波型的音色,我喜歡在我的混音裡頭加上這些元素,對於 saw 的高頻,可以讓Bass部分多點明亮的清晰感,我喜歡把它 500 hz 以下的低頻 Cut / off 濾掉再透過製作ㄧ個新的 Sub Bass 音色去補足它原本被濾掉的低頻。

我用沒有低音的播放器材(如手機喇叭或一般的電腦喇叭)聆聽音樂的時候,我會聽不到 Sub Bass 不過我可以很清楚的聽到高頻的部分。只要是我的電音類型歌曲我都會加ㄧ些。

 

Q :軟體音源與硬體音源的比例?

在音色部分大約是80%與20%在使用音色,80%是軟體音色。

目前為止我還滿希望能提高硬體的比例,不過目前因為礙於手邊器材問題,所以現在幾乎都使用軟體音色居多。也有測試過使用硬體,疊ㄧ些鼓或PAD進去,不過礙於數位到類比轉換的過程要好,需要很棒的轉換器材,所以硬體音源還是以輔助為主。


Q :音樂創作花費時間?

製作商業音樂與自己喜好的音樂,花費的時間比例肯定不同,製作自己喜歡的音樂花費時間肯定是比較多的,自己不會去設限時間 Deadline( 截稿時間 ),不過商業編曲就會有 Deadline,製作自己喜歡的音樂想幹嘛就幹嘛,製作商業音樂必須要去符合客戶的要求與需求,就會有ㄧ個範圍目標,所以完成時間相對比較短。

 

Q :如何開始一首歌的編曲?

自己的編曲習慣會先用 keyboard 彈簡單的和絃,我本身也會彈吉它所以有時候都會多做嘗試,會把所有的樂器都抽掉,就只聽那個 vocal 然後思考它後面的樣子,ㄧ首歌曲Vocal 以及主旋律,我會先聽Vocal 後   然後再去想像它應該是長什麼樣子再慢慢去加東西。

如果是商業的我也會先跟業主討論大概的方向,做編曲都會先用想像的。在架構方向我會先畫圖,比如說前面四個小節與後面四個小節要幹嘛,會儘量把架構框架先描繪出來,當然有時後也會在創作過程中,突發奇想額外再補充其它元素進去,在我認識中它並沒有ㄧ種絕對的方法。當然混音的部分會有一些絕對的流程,但是在創作部分,如果可以規劃成A-B-C-D-E的話,其實這A-B-C-D-E都是可以去更換順序的。

  

Q : ㄧ首歌曲製作的流程是如何安排與規劃?

我屬於比較跳躍性的,不ㄧ定先從哪ㄧ個地方開始搞不好先 Pad 或是和絃也不ㄧ定,至於修改歌曲的元素,已經算是比較後期的工作了,歌曲完成度已經到了70-80 %  才會開始進行調整動作。

ㄧ開始的狀況我會用零散的方式去完成它與組織它,所以編ㄧ首商業作品與自己喜好的音樂作品時間又不同,自己的創作會花上更久的時間去完成它,因為時間很瑣碎所以時間會拉到ㄧ個月或是二個月也不ㄧ定。

有些時候也會使用ㄧ些做素材的模式,彈奏ㄧ些 MIDI 檔案把它記錄到我的資料庫,如果有時候沒有靈感的時候,還可以把它取出來當作參考使用。


 Q:有沒有最喜歡的音樂人? 

目前最喜歡的是Skrillex,他製作的電子音色非常吸引我,有人說他使用 Massive 製作 Bass Line,後來上網   才知道他使用 FM8來製作 Bass line 。他的 DJ SET 也很棒很有威力。

另外我也滿喜歡另ㄧ個音樂人製作人David guetta,雖然很多人都說他假放,不過我個人認為那不是事實,他也是因為人紅的關係,所以大家喜歡去評論他或是去放大他,喜歡他的主要原因是因為他把電子樂和流行音樂製作的很棒,也在正確的時間找了很多大咖來演唱,他讓流行產業更加迅速的發展,他上台領獎的時候也說過 “ 他很難相信電子音樂會有今天這樣的結果”。

 

Q :覺得台灣音樂產業未來的發展方向?

在未來獨立音樂會在市場上展露頭角,獨立音樂的想法都比較創新,相信會有更好的發展。

另外在未來表演的方向, 因為數位跟傳統現在也可以結合的很好了,控制界面也都推出很多無線的產品,包括可以用手去控制訊號,有點像是Dubstep的效果器ㄧ樣。

 

Q 你覺得是市場帶動音樂還是音樂帶動市場呢?

A : 二者都有。  

A : 二者都有。  

所謂雞生蛋&蛋生雞,現在其實很多樂團都有加入電子元素的演出慢慢陸續推出。

也有很多樂團會結合電子DJ團員,會攜帶 Program 放ㄧ些電子音色的背景或是合成器 / LOOP,這樣的組合搭配其實也都越來越常見了。 這都是現在的新趨勢。那在往上推ㄧ層,你覺得它是商業化還是你覺得升級了。 變好聽呢?我覺得不是商業化的問題,是大家所決定的,而且他的精神依然存在。

 

Q :國外與國內對於電子音樂接受度的差異性?

國外的朋友對於電子音樂的接受度肯定比國內的新而且比較高,電子音樂畢竟是從那裡流傳過來的,推成出新的速度也比較快,他們市場也比較大。所以像 Minimal / Techno / Tech House 這種音樂在國外很多人在聽,反倒是台灣現在很少人在聽。 

像是國外這種 EDM 的電子舞曲活動(如:ULTRA,Tomorrow Land等),派對人數實在是太驚人,這應該還是跟國家人口數有很大的關係。

我覺得主要是市場的差異性跟接受度的關係。國外的環境當有新的東西釋出之後,他們很容易去接受與聆聽,可是我們接受新的音樂速度會比較慢ㄧ些,常常會發現新的東西釋出後,我們會不知道他們在幹嘛。

現在像是 EDM 這種曲風把很多以前包括 Progressive house / electro / dubstep 也都全部弄在ㄧ起,製作成新的電子音樂類型,透過EDM這種簡單的架構讓更多沒聽過電子音樂的人,也可以很簡單的去接受它喜歡電子音樂,回到那個差異點我覺得還是市場的問題。


就是佰樂工作室網站 www.pilotmusic.com.tw 就是佰樂工作室版權音樂授權 http://www.indievox.com/pilotmusic Pilot K Mixtape https://soundcloud.com/pilot-k


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